Exclusive Interview with the band Prison Religion by Marie-Emmanuelle Arouet

French :
Interview exclusive du groupe Prison Religion par Marie-Emmanuelle Arouet.


Today, we have the privilege of sitting down with Prison Religion (Parker Black and Warren Jones), an electrifying duo who are about to grace the stage at Berlin Atonal 2023. Known for pushing the boundaries of sonic experimentation and delivering mesmerizing performances, they have carved a unique niche in the world of electronic music. Join us as we delve into their creative process, influences, and what makes Berlin Atonal such a special platform for their artistry. Also – we’re excited to share that Bad to the Bone will be in attendance, capturing all the sonic magic and artistic brilliance of this event.

Fr :
Aujourd’hui, nous avons le privilège de nous entretenir avec Prison Religion (Parker Black et Warren Jones), un duo électrisant qui s’apprête à enchanter la scène du Berlin Atonal 2023. Réputés pour repousser les limites de l’expérimentation sonore et offrir des performances envoûtantes, ils ont taillé une niche unique dans le monde de la musique électronique. Rejoignez-nous alors que nous plongeons dans leur processus créatif, leurs influences, et ce qui fait du Berlin Atonal une plateforme si spéciale pour leur art. De plus, nous sommes ravis de vous annoncer que Bad to the Bone sera présent pour capturer toute la magie sonore et la brillance artistique de cet événement.

prison religion, PRISON RELIGION, Bad to the Bone

English (French below):
1. The process of creating ‘Hard Industrial B.O.P.’ is described as arduous and scattered, reflecting the era itself. Could you elaborate on how the various locations and stages of production, from Brooklyn to Copenhagen and beyond, influenced the overall tone and message of the album? How did this scattered and uncertain process impact the thematic coherence of ‘Hard Industrial B.O.P.’ and contribute to the album’s unique narrative?

This album, which was created from 2019-2021 swelled from the incumbent events which would change our world. Maybe we could feel the shift coming. But we felt the incoming collapse within the venues and clubs around the world even just socially and culturally. So we set up in dark basements and rooms where we could and output the emotion and subjective vision which haunted us. Instead of jamming late night in a smokey club like jazz players did, we jam via email and dark corner tunes shared over the internet, stacking artifact and affection to create what would be the foundation for the album. But we wanted to help break the camel’s back by approaching the sound the same way Art Blakey and others did to bop–from the inside.

2. The comparison to Art Blakey’s ‘Hard Bop’ album is intriguing. How does ‘Hard Industrial B.O.P.’ similarly challenge conventions within its genre while upholding a foundation of sound worship? Additionally, could you explain how the album seeks to subvert the scene in the face of hypocrisy and maintain a focus on music in an environment that often diverts attention?

Music is sound worship, or the framing of sound within context and/or culture to uplift it into meaning, or non-meaning. This is how humans make sense of and systematize our world. It is how our brains work, organizing chaos into order. You can use existing language to create new language and that is the intention of our work here. And we aim to make music which knocks the listener a bit to reimagine the context of what it is they are listening to and why. Music is becoming purely commodity and the overall sound is changing, thus the palate of the listener is changing, much like what happens with fast food and our addiction to sugar and salt. See spotify, who’s creator is now a weaponized

drone developer, which intensely facilitates this culture of insatiable desire. So we fight against that, trying to expand the scope of consumption to being more than just a self- serving effect of an identity-obsessed culture, which is by design. The “Industrial” part of the title alludes to this edifice which almost every musician now is confronted with and must interface with.

3. It’s interesting how your album cover appears to incorporate cryptic symbols. Could you delve into the intention behind these hidden elements and explain how they add an extra layer of depth to the visual representation of your music? What is their significance in relation to the themes explored in ‘Hard Industrial B.O.P.’?

B.O.P. can equate to Bureau of Prisons, the name for the federal system of prisons in the US. We weave in industrial simulacra as post-societal spirituality. As if these agencies are discovered in the far future with objectivity, much like how we few the past and remnants of past societies. There is always a spiritualism tied to these now-dead mechanisms of power. Maybe the power is spiritual, whether good or evil.

The seal of the Bureau of Prisons is rusted metal and encased in rock. The columns crumble and hold up nothing. Darkness surrounds the eagle.

4. DIY often involves resourcefulness and making the most of limited means. How do you find innovative ways to experiment with your sound and push creative boundaries while working within the constraints of a DIY approach?

We find way to innovate by divorcing from scene mentality. Scene mentality creates homogeneity with serves to be counterintuitive to objective music making and alchemy. The fool must cast herself up the mountain and sit alone in the cave. There, truths will be revealed.
DIY is a now-branded moniker for people doing things themselves without service to the industry. However these micro-scenes are prone to corruption just the same. It is important for both the listener and audience to realize the pitfalls to tribalizing contextualized sound. Maybe the reason we have so much cut-copy music nowadays is that there are too many people trying to reinvent music. Innovation and alchemical processes of music are very difficult and should not be taken lightly. With that being said, music should always be accessible to all as a form of expression, exhibition, and celebration and not gatekept by intellectuals or institutions. So that issue is difficult to solve. However, the solution could be to quell the knee-jerk reaction to imitate something you like or identify with and instead spend the time to fully understand its affectual nature.

5. Your music often carries intense and extreme emotions. How do you balance the raw, chaotic nature of hardcore noise with the more structured and rhythmic aspects of trap in order to convey those emotions effectively?

We do not reference “trap” so much as people ascribe to us, its more just rap music in general. Especially in 2023. Back in 2016-18 we were involved with underground rap more, and facilitating a healthy crossover between electronic music, punk, and rap within our city, Richmond, VA, which was a great time. I personally was producing and engineering within that space more. But we equally reference all music and song production in general, which exists in rap/trap. So it is really the more structured and rhythmic aspects of western pop music.

Anyway, splitting hairs aside, it is truly a balance. We try to uplift the music from the grid/ DAW and breathe life into the sound via artifacting and reamping, and similar techniques. It is a method I have been interested in for a long time, especially having roots in band music and growing up playing drums. How does one make the digital, flat sound more dimensional? By giving it time and space. By giving it dimensional affect. By treating the sound more. Take the music out, listen to it everywhere. How does it play in your room? In a McD bathroom? In Kraftwerk? Under the sea in an imploded, hand-built minisub? This is space. Time is the reamping, reworking of it until it is undeniable–until it is swollen with artifacts, maybe even unheard but felt. This does not mean every song needs a long time. You can make music in a short timeframe given a potent and learned application. One learns that music is more potent with ephemerality. The meaning of ephemera is different for everyone, and why we all make different things (or why we are all imprisoned by our own perception).

6. What inspired you to explore this avant-garde blend of genres? When were you first exposed to these genres and what caught your interest, so much so that you chose this medium as primary means to express a sense of immediacy?

We make experimental sounds because that is where people can learn objectively. It would be hard to achieve this in strict techno or strict punk, given how explored those genres have become.

7. Could you shed light on the equipment and production techniques you use to achieve the powerful and dynamic sonic palette that characterizes your music?

Thank you for saying that. We use mostly computers to be honest. Routing computers into computers back into itself. We also use whatever gear is around. Typically we aren’t in the same room making this music. But we always keep in mind that the music best serves a large system where the sound is all-enveloping. Not because this is cool, but because the music is physical and loudness is necessary to the function of it. We believe the crowd interfacing with us and the sound, breaking down barriers between the listener and the performer, is integral to the whole thing. Prison Religion is a project meant to be heard live.

With that being said, we are not gearheads or perform as so, which has gotten us a bit of flak. We use 4 CDJs, primarily, and vocal set-ups. So the set it more like a party than sound art exhibition. But we like to blur those lines sometimes depending on the event/ context. Fluidity is important, and like the Hard Bop reference, we aim to bend to the will of the present. If the set should be full of drones and wet screams, so be it. If the set should be only bangers and moshing, so be it.

8. The Berlin Atonal festival often embraces unconventional and immersive experiences. Could you provide insights into how your duo plans to create a captivating and memorable live performance that aligns with the festival’s reputation for pushing artistic boundaries?

We want to dress up as the police and detain people during the set, running around screaming. So far the festival isn’t too excited about our concept. Let’s see what happens 🙂

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French :
1. Le processus de création de « Hard Industrial B.O.P. » est décrit comme ardu et dispersé, reflétant l’époque elle-même. Pourriez-vous expliquer comment les différents lieux et étapes de production, de Brooklyn à Copenhague et au-delà, ont influencé le ton général et le message de l’album ? Comment ce processus dispersé et incertain a-t-il affecté la cohérence thématique de « Hard Industrial B.O.P. » et contribué à la narration unique de l’album ?

Cet album, créé de 2019 à 2021, a pris de l’ampleur à partir des événements en cours qui allaient changer notre monde. Peut-être pouvions-nous sentir le changement arriver. Mais nous ressentions déjà l’effondrement imminent dans les salles de spectacles et les clubs du monde entier, même sur le plan social et culturel. Alors, nous nous sommes installés dans des sous-sols et des pièces sombres où nous le pouvions, et avons exprimé les émotions et la vision subjective qui nous hantaient. Au lieu de jouer tard dans la nuit dans un club enfumé comme le faisaient les joueurs de jazz, nous jouions par e-mail et partagions des mélodies sombres sur Internet, empilant des éléments et de l’affection pour créer ce qui allait devenir la base de l’album. Mais nous voulions contribuer à faire céder le dos du chameau en abordant le son de la même manière qu’Art Blakey et d’autres l’ont fait avec le bop, de l’intérieur.

2. La comparaison avec l’album « Hard Bop » d’Art Blakey est intrigante. Comment « Hard Industrial B.O.P. » remet-il également en question les conventions de son genre tout en préservant une base de vénération du son ? De plus, pourriez-vous expliquer comment l’album cherche à subvertir la scène face à l’hypocrisie et à maintenir une concentration sur la musique dans un environnement qui détourne souvent l’attention ?

La musique est un culte du son, c’est-à-dire la mise en cadre du son dans un contexte et/ ou une culture pour lui donner un sens, ou non-sens. C’est ainsi que les êtres humains donnent du sens et systématisent notre monde. C’est ainsi que fonctionnent nos cerveaux, en organisant le chaos en ordre. Vous pouvez utiliser le langage existant pour créer un nouveau langage, et c’est l’intention de notre travail ici. Nous visons à créer de la musique qui pousse l’auditeur à réimaginer un peu le contexte de ce qu’il écoute et pourquoi il l’écoute. La musique devient de plus en plus une simple marchandise, et le

son global change, modifiant ainsi le palais de l’auditeur, un peu comme ce qui se passe avec la restauration rapide et notre dépendance au sucre et au sel. Voyez Spotify, dont le créateur est maintenant un développeur de drones armés, ce qui facilite intensément cette culture du désir insatiable. Nous nous battons donc contre cela, en essayant d’élargir la portée de la consommation pour qu’elle soit plus que simplement un effet égoïste d’une culture obsédée par l’identité, ce qui est voulu. La partie « Industrielle » du titre fait référence à cette structure à laquelle presque tous les musiciens sont maintenant confrontés et doivent interagir avec.

3. Il est intéressant de noter comment la couverture de votre album semble incorporer des symboles cryptiques. Pourriez-vous expliquer l’intention derrière ces éléments cachés et comment ils ajoutent une couche supplémentaire de profondeur à la représentation visuelle de votre musique ? Quelle est leur signification par rapport aux thèmes explorés dans « Hard Industrial B.O.P. » ?

B.O.P. peut être assimilé au Bureau of Prisons, le nom du système fédéral des prisons aux États-Unis. Nous tissons des simulacres industriels en tant que spiritualité post- sociétale. Comme si ces agences étaient découvertes dans un lointain futur avec objectivité, un peu comme nous contemplons le passé et les vestiges des sociétés passées. Il y a toujours une spiritualité liée à ces mécanismes de pouvoir désormais morts. Peut-être que le pouvoir est spirituel, qu’il soit bon ou mauvais.

Le sceau du Bureau of Prisons est en métal rouillé et enfermé dans la roche. Les colonnes s’effondrent et ne soutiennent rien. L’obscurité entoure l’aigle.

4. Le DIY implique souvent de faire preuve de débrouillardise et de tirer le meilleur parti de moyens limités. Comment trouvez-vous des moyens innovants d’expérimenter avec votre son et de repousser les limites créatives tout en travaillant dans le cadre d’une approche DIY ?

Nous trouvons des moyens d’innover en nous détachant de la mentalité de la scène. La mentalité de la scène crée une homogénéité qui va à l’encontre de la création musicale objective et de l’alchimie. Le fou doit s’élever vers la montagne et s’asseoir seul dans la grotte. C’est là que des vérités seront révélées.

Le DIY est maintenant une étiquette de marque pour les personnes qui font les choses elles-mêmes sans se soucier de l’industrie. Cependant, ces micro-scènes sont tout aussi susceptibles de se corrompre. Il est important tant pour l’auditeur que pour le public de réaliser les écueils de la tribalisation du son contextualisé. Peut-être la raison pour laquelle nous avons tant de musique copiée de nos jours, c’est qu’il y a trop de gens qui essaient de réinventer la musique. L’innovation et les processus alchimiques de la musique sont très difficiles et ne doivent pas être pris à la légère. Cela étant dit, la musique devrait toujours être accessible à tous comme forme d’expression, d’exposition et de célébration, et ne pas être réservée par des intellectuels ou des institutions. Donc, ce problème est difficile à résoudre. Cependant, la solution pourrait être de réprimer la réaction instinctive d’imiter quelque chose que l’on aime ou avec lequel on s’identifie, et plutôt prendre le temps de comprendre pleinement sa nature affective.

5. Votre musique véhicule souvent des émotions intenses et extrêmes. Comment équilibrez-vous la nature brute et chaotique du noise hardcore avec les aspects plus structurés et rythmiques de la trap afin de transmettre efficacement ces émotions ?

Nous ne faisons pas spécifiquement référence à la « trap » autant que les gens nous l’attribuent, c’est davantage de la musique rap en général, surtout en 2023. À l’époque de 2016-18, nous étions davantage impliqués dans le rap underground et favorisions une fusion saine entre la musique électronique, le punk et le rap dans notre ville, Richmond, en Virginie, ce qui était une période formidable. Personnellement, je produisais et travaillais davantage dans cet espace. Mais nous faisons également référence à toute la musique et à la production de chansons en général, qui existent dans le rap/trap. Donc, il s’agit vraiment des aspects plus structurés et rythmiques de la musique pop occidentale. Cela dit, mis à part ces détails, c’est vraiment un équilibre. Nous essayons d’élever la musique hors de la grille/DAW (station de travail audio numérique) et de lui insuffler de la vie par le biais d’artefacts, de réenregistrements et de techniques similaires. C’est une méthode qui m’intéresse depuis longtemps, surtout en ayant des racines dans la musique de groupe et en ayant grandi en jouant de la batterie. Comment peut-on rendre le son numérique et plat plus dimensionnel ? En lui donnant du temps et de l’espace. En lui donnant un effet dimensionnel. En traitant davantage le son. Sortez la musique, écoutez- la partout. Comment sonne-t-elle dans votre chambre ? Dans les toilettes d’un McDonald’s ? Dans Kraftwerk ? Sous la mer dans un mini-sous-marin fabriqué à la main et implosé ? C’est l’espace. Le temps, c’est le réenregistrement, la retravailler jusqu’à ce qu’elle soit indéniable, jusqu’à ce qu’elle soit gorgée d’artefacts, peut-être même inaudibles mais ressentis. Cela ne signifie pas que chaque chanson a besoin de beaucoup de temps. Vous pouvez créer de la musique en peu de temps avec une application puissante et apprise. On apprend que la musique est plus puissante avec l’éphémère. La signification de l’éphémère est différente pour chacun, et c’est pourquoi nous créons tous des choses différentes (ou pourquoi nous sommes tous prisonniers de notre propre perception).

6. Qu’est-ce qui vous a inspiré à explorer cette fusion avant-gardiste de genres ? Quand avez-vous été exposé pour la première fois à ces genres, et qu’a suscité votre intérêt au point de choisir ce médium comme principal moyen d’exprimer un sens de l’immédiateté ?

Nous créons des sons expérimentaux parce que c’est là que les gens peuvent apprendre de manière objective. Il serait difficile d’atteindre cela dans la techno stricte ou le punk strict, étant donné à quel point ces genres ont été explorés.

7. Pourriez-vous éclairer les équipements et les techniques de production que vous utilisez pour obtenir la palette sonore puissante et dynamique qui caractérise votre musique ?

Merci pour ces mots. Pour être honnête, nous utilisons principalement des ordinateurs. Des ordinateurs interconnectés les uns aux autres. Nous utilisons également le matériel qui est à notre disposition. En général, nous ne sommes pas dans la même pièce pour créer cette musique. Cependant, nous gardons toujours à l’esprit que la musique est destinée à être diffusée sur un système sonore massif, où le son enveloppe complètement l’auditoire. Ce n’est pas parce que c’est cool, mais parce que la musique est physique et que la puissance sonore est nécessaire à son fonctionnement. Nous croyons que l’interaction de la foule avec nous et le son, en brisant les barrières entre l’auditeur et le performeur, est essentielle à l’ensemble de la démarche. Prison Religion est un projet destiné à être écouté en direct.

Cela dit, nous ne sommes pas des amateurs de matériel ou ne nous présentons pas comme tels, ce qui nous a valu quelques critiques. Nous utilisons principalement 4 CDJs et des configurations vocales. Donc, le set ressemble plus à une fête qu’à une exposition d’art sonore. Mais nous aimons parfois brouiller ces frontières en fonction de l’événement et du contexte. La fluidité est importante, et comme la référence au Hard Bop, nous cherchons à nous plier à la volonté du moment. Si le set doit être plein de drones et de cris humides, soit. Si le set doit être uniquement composé de bangers et de moshing, soit.

8. Le festival Berlin Atonal embrasse souvent des expériences non conventionnelles et immersives. Pourriez-vous nous donner des idées sur la manière dont votre duo prévoit de créer une performance live captivante et mémorable qui s’aligne sur la réputation du festival pour repousser les limites artistiques ?

Nous voulons nous déguiser en policiers et interpeller les gens pendant le set, en courant partout en criant. Jusqu’à présent, le festival n’est pas trop enthousiaste à l’idée de notre concept. Voyons ce qui se passe 🙂


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